Pechos en el arte

I’m a huge fan of breasts. Always have been
Germaine Greer

March 10, 2008 9:30 AM

Ever since I can remember I have been a fan of breasts, or, as I called them when I was little, bosoms. I longed for the arrival of my own, and put socks down the front of my vest so that I could see how they might look.

When I drew female figures I used to pencil in a “u” on each side of the chest and put a dot in the middle of the u. I told people they were pockets, but no one was fooled. I may have been so interested because I was breast-fed, but I don’t think so. Feeding didn’t figure in my fantasies at all.

In those days you didn’t often get to see breasts, or even cleavage. The fashion was whirlpool-stitching and “lift-and-separate”. The name of one bra was Maidenform; another boasted “cross-your-heart” styling, which turned each breast into a horn set at right angles to the other. There was nothing about a properly controlled bosom to suggest that it might be nice to touch. Even after the sweater girl arrived from Hollywood, the bosom remained a rebarbative domain. Boys put a good deal of effort into learning how to take a bra off single-handed. There was little fun to be had in the days of necking and petting if it stayed on.

Like all the other young owners of chests without breasts, I looked long and hard at the bare-breasted women in the National Geographic, wondering if I was destined to have the long pointy kind or the round kind, hoping I wouldn’t end up with the kind that had huge nipples and not much else. The photographs of the real thing were far more satisfactory than breasts in art, which were usually small, pale, understated lumps, whether the owners were painted standing up by Cranach or lying down by Titian. The lactating Madonna sometimes flashed a breast, usually set far too high on her narrow chest. You know from the way that Goya painted the breasts on his naked Maja that he had never seen any.

Sally Mann

Maridos y esposas

LRB 13 December 2007 Terry Castle

Husbands and Wives
Terry Castle

* Don’t Kiss Me: The Art of Claude Cahun and Marcel Moore edited by Louise Downie

* Two Lives: Gertrude and Alice by Janet Malcolm
First, a somewhat spittle-laden squawk: how one positively slavers for a good biography of the astonishing French artist known as Claude Cahun (1894-1954). Mention her in conversation and you are likely to draw a puzzled ‘Claude who?’ even from otherwise predatory culture vultures. In my own case – it’s true – certain vile French diphthongs may be part of the problem: the phonetic distinctions between Cahun, Caen, Caïn, Cannes, Cohn, canne, cane, cagne, camp, cône and con remain, sadly, a perpetual trial. Yet it’s also undeniable: though one of the most extraordinary personalities associated with both the French Surrealist movement and the Resistance, Cahun is still scarcely known to an English-speaking public.

Which isn’t to say she has languished in utter obscurity. In the baleful little world of academic ‘gender studies’ (strap-ons and piercings strongly advised) the cross-dressing Cahun has been a cult heroine for a decade or two. Nor is it difficult to see why. She was an inventive and fearless early practitioner of set-up photography: the self-conscious ‘staging’ of images in order to produce a theatrical or conceptual effect. And as with many other set-up specialists, Cahun was her own favourite subject. Though it’s hard to say if she knew the work of either, two of her most notorious precursors in this regard were the Countess of Castiglione (1837-99), a wealthy and eccentric Franco-Italian narcissist who hired a studio photographer to take scores of secret pictures of her in bizarre poses and costumes, and the Stieglitz associate F. ‘Fred’ Holland Day, whose semi-nude impersonation of Jesus Christ on the Cross – at once gauzy, grisly and homoerotic – provoked a scandal when he exhibited the photographs in 1898. The most prominent practitioner of the style in recent years has been the rubber-visaged, now slightly shopworn Cindy Sherman – known particularly for the gender-bending self-portraits she made in the 1970s and 1980s.

Something about the genre seems to invite sexual self-mystification, but Cahun’s photographic experiments are truly extraordinary. In a discomfiting series of self-portraits rediscovered in the 1980s – most of them apparently produced in the 1920s and 1930s with the assistance of Marcel Moore, the lesbian companion with whom she lived as a recluse on the island of Jersey between 1937 and 1954 – the wildly androgynous artist can be seen vamping it up in a boggling array of cross-sex get-ups. Long before dyke-daddy chic Cahun and Moore were mounting an ongoing private drag show with Cahun in all the starring parts.

Contra la desnudez

Tusquets contra el nudismo

El arquitecto repasa el erotismo a través de la historia

AGUSTÍ FANCELLI - Barcelona
EL PAÍS - Cultura - 05-12-2007

Contra la desnudez (Anagrama). El título deja poco espacio a la duda y el libro comienza, en efecto, con un alegato contra “la desnudez natural”, asesina de todo atisbo de arte. “No hay cosa más fea y deprimente que una cola de nudistas esperando el turno para el self-service del cámping”, asegura Óscar Tusquets Blanca (Barcelona, 1941) en la presentación de su último libro. No se libran del azote del arquitecto otros vates de la desnudez contemporánea, como el fotógrafo Spencer Tunick (”¡aprovecha las sesiones para ligar!”) o el publicista Oliviero Toscani. Es la siempre refrescante parte killer de Tusquets.
Pero junto a ella construye una mirada sobre el desnudo -que no la desnudez- en el arte occidental llena de información, experiencias vividas y una sugestiva capacidad para analizar las cerca de 250 imágenes que acompañan al texto. Si algo unifica los ensayos de Óscar Tusquets es el paseo en libertad por lo que a él le gusta, sin jerarquías de género y con el sólo propósito de descubrir la belleza que convierte a una obra en universal.

“La desnudez me parece un ataque al erotismo desde las nuevas tendencias naturalistas de la salud y el bienestar. A partir de ahí trato de explicar que existe un belleza universal e imperecedera”. Por ejemplo, la Nefertiti o los frisos del Partenón, a los que el autor ya dedicó su atención en un ensayo anterior, titulado Dios lo ve . “Lo que el arte no ha sabido resolver nosotros no lo sabemos ver”, afirma en otro momento del encuentro el escritor-arquitecto. “Por ejemplo, el arte ha sabido desde la antigüedad cómo presentar un cuerpo desnudo, masculino o femenino”, aunque considera que ciertas partes no fueron resueltas ni siquiera por los griegos, “y lo que no resolvieron ellos tarda luego como mil años más en aparecer”. Por ejemplo: el pene masculino en reposo. Imágenes clásicas de la virilidad como Laocoonte, Adán o David exhiben un miembro muy exiguo. “No será hasta Mapplethorpe, artista revolucionario, o la célebre publicidad de Yves Saint Laurent para el perfume M 7 que se rescatarán las verdaderas proporciones del miembro”.

Guapos y feos

Guapos y feos 

4 de diciembre.- Creo que fue la discusión con mi peluquero (una tensión sostenida durante minutos, a cuenta de mi indecisión sobre qué hacer con los cuatro pelos, rasuración o arreglismo, y que terminó con cambio de sillón y de operario entre grandes voces que salían de mi boca debido a que nadie me había informado de que esos asientos un tanto ejecutores se alquilaran por tiempo, como el parking) lo que me llevó a hojear la ‘Historia de la fealdad’ (Lumen), un volumen vistoso y cromático a cargo de Umberto Eco, que sigue al de la ‘Historia de la belleza’, estos temas tan receptibles.

Total, que lo primero que se me ocurrió es que lo contrario de la belleza no es la fealdad, sino la maldad. Mientras que lo contrario de la fealdad es la guapeza, pero no la belleza. Y esto se demuestra apenas con lo que el propio texto cita de Nietzsche: “Todo esto provoca una reacción idéntica, el juicio de valor ‘feo’… ¿A quién odia aquí el hombre? No hay duda: la decadencia de su tipo”.

Viene esto a decir que las desfiguraciones y ruinas de la carne nos empujan con su espanto al criterio de valor. Pero también que existe un “tipo”, una forma de la cual hay decadencias y miserias. Un bien y un mal. No en vano de ciertos hombres y mujeres se dice que “están buenos”. Luego, otros estarán malos. De modo que los pares antagónicos quedarían: bello (bueno)/malo, feo/guapo. Esto nos pasa por pensar.

Enseñar el culo con arte

Enseñar el culo con arte

La exposición ‘Culos’ podrá verse desde el 3 de octubre hasta el 6 de enero de 2008 en la Fundación Canal de Madrid.

PILAR PARCERISAS
EL PAIS SEMANAL - 30-09-2007

Son retratos, pero ocultan los rostros. Se ven aunque no se tocan. Por primera vez, una exposición recopila las fantasías de algunos de los mejores fotógrafos del mundo seducidos por esa parte de la anatomía donde dicen que la espalda pierde su casto nombre. Son culos de artista. Por eso los mostramos
Cuerpos sin rostro, dorsos y torsos se alzan como contracampo del retrato, origen del arte fotográfico. Y a pesar de la aparente indiferencia sexual en esta época de estrés y sobreexcitación a base de raros estimulantes ajenos al sexo, la exposición Ocultos, que ha convocado a setenta fotógrafos, nos devuelve la apetencia de la mirada, el deseo de lanzar un piropo, un silbido, o simplemente un suspiro, al paso de un movimiento de caderas provocador.

La cámara fotográfica, esa máquina entrometida y chismosa capaz de aislar con todo detalle fragmentos de la realidad, nos sirve desde la pura objetividad de su ojo mecánico breves secuencias del cuerpo humano, potenciando el erotismo de los órganos aislados, en este caso el culo, rey de la belleza pagana que recupera el Renacimiento con la desnudez de Las tres Gracias, que encontramos en el clasicismo idealizado de Rafael o, posteriormente, en las mujeres carnosas y celulíticas de Rubens.

Desde el Torso del Belvedere, de Miguel Ángel, hasta La Venus del espejo, de Velázquez, los desnudos traseros seguían siendo una excepción en el mundo del arte hasta el siglo XIX, en que las Venus se tornan de carne y hueso y los modelos recusan cualquier justificación simbólica. En La gran odalisca de 1814 o en sus bañistas de espaldas, Ingres consigue fusionar el desnudo corporal (the naked) y el desnudo artístico (the nude), provocando una especie de voyeurismo intelectual.

Las amargas lágrimas de Petra von Kant

Lágrimas de pasión lésbica

Una compañía de teatro española triunfa en Berlín con la adaptación de la película del cineasta Rainer W. Fassbinder sobre el amor entre mujeres. Ahora estrena en Madrid

BEATRIZ PORTINARI - Madrid
EL PAÍS - 15-08-2007

Dos mujeres se miran fugazmente sobre un escenario y de repente algo estalla entre ellas. No es sólo sexo, sino un juego de dominación que acaba tan violentamente como las relaciones machistas que ambas despreciaban.
La primera vez que el actor y director teatral Miquel Insúa vio la película Las amargas lágrimas de Petra von Kant, de Rainer Werner Fassbinder (Alemania, 1945-1982), le pareció “un aburrimiento”. Aquella historia de atracción entre una exitosa diseñadora de moda y una modelo que finalmente la abandona no tendría mayor misterio si el estreno no fuera en 1972, cuando las imágenes de amor lésbico todavía podían provocar un escándalo.

Hoy, Insúa se mueve entre las butacas del Pequeño Teatro Gran Vía de Madrid para ultimar la novedosa puesta en escena de la compañía los Cráneos de Yorick, que estrena mañana tras su presentación oficial en el Deutsches Theater de Berlín en junio. Hasta ese momento, ninguna compañía española había subido a las tablas de este centro, una de las grandes salas de teatro de la capital alemana, y menos con un autor-mito como Fassbinder en el 25 aniversario de su muerte.

Praxíteles

MONOGRÁFICA DEDICADA AL ESCULTOR GRIEGO EN EL LOUVRE

Praxíteles o la poesía del mármol

• Primera gran exposición en Francia dedicada al arte estatuario griego y romano
• El escultor ateniense fue el autor del primer desnudo femenino íntegro

LBERTO SÁNCHEZ (elmundo.es)

MADRID.- Fue el primer escultor griego en representar un desnudo femenino a tamaño natural con su ‘Afrodita de Cnido’. Praxíteles, que permanece como uno de los artistas más reconocidos de la Antigüedad, será el protagonista de una gran exposición en el gran museo del Louvre. Pocos son los datos fiables sobre su biografía, excepto que nació en Atenas en el siglo IV a.C. procedente de una familia de tradición escultórica. A partir de ahí la historia se funde y se confunde con la leyenda. Los más de 2.300 años transcurridos tienen la culpa de las sombras que envuelven la figura y la obra del genio griego, unas sombras que tratarán de ser esclarecidas con esta ambiciosa muestra.

Cuerpos desnudos

LA CRÓNICA
Cuerpos desnudos

José Luis Pardo

BABELIA - 03-03-2007

El Estado ha abandonado la idea de proteger a los ciudadanos contra el desempleo, el abuso de los más fuertes o la inseguridad jurídica para consagrarse a suministrarles protección exclusivamente física. De ahí, las medidas de control sobre la obesidad, la delgadez o el consumo de tabaco y alcohol. Entre tanto, las ciencias sociales y la filosofía política de los últimos tiempos se mueven en torno a dos nociones: el riesgo y la vulnerabilidad. El fenómeno es indiscutible: el cuerpo está en alza. Pensarán ustedes que me refiero a todas las modalidades del body-building, los estiramientos, liposucciones, musculaciones, siliconismos, modelados, cirugías y exhibiciones grandiosas en pasarelas actuales o virtuales, y desde luego que también se trata de eso, pero no únicamente. El mismo auge del cuerpo se experimenta en una zona (sólo nominalmente) mucho menos “espectacular” de nuestras sociedades, la que corresponde al Estado y a sus políticas “de salud”, en donde el cuerpo como objeto que hay que proteger de toda clase de agresiones físicas -disminución de las dosis de azúcar, medidas antianoréxicas para top models, regulación de la clonación terapéutica, prevención del cambio climático y strip-tease de los pasajeros en los controles policiales de los aeropuertos- experimenta un protagonismo tan creciente que incluso el inconformismo alternativo tiene su manifestación en la estética del tatuaje o el piercing; pero si en estos dos escenarios político-mercantiles se trata ante todo del cuerpo sano, bello o provocador, la región de la “alta cultura” completa el círculo con la irresistible ascensión, en el seno de las artes visuales, de los cuerpos troceados, desventrados, desollados, obesos, enfermos, putrefactos, arrugados, degradados, muertos, desamparados y siempre tan desnudos como los que esculpen los nuevos artistas -principalmente británicos- capitaneados por el asombroso Ron Mueck (que se formó como técnico de efectos especiales); e igualmente coherente con este movimiento es lo que ha sucedido en el terreno del pensamiento a partir de los últimos años setenta: desde que Foucault lanzase la idea de biopolítica, de la prensión directa del poder sobre los cuerpos, el asunto no ha hecho más que precipitarse gracias a la “vida desnuda” y la animalidad de Agamben, los “órganos sin cuerpo” de Zizeck, los cyborgs de Haraway, el corpus de Nancy, la inmunidad de Esposito o la humanidad “animal” de Martha Nussbaum, hasta el punto de que las ciencias sociales y la filosofía política de la última década parecen orbitar en torno a dos nociones que se han vuelto en estos terrenos completamente dominantes: el riesgo y la vulnerabilidad física. Como si el sueño político-publicitario de una ingeniería biomecánica capaz de hacer el cuerpo resistente a toda agresión externa o interna no fuera más que la otra cara de la pesadilla formada por la infinita serie de amenazas que, desde los atentados terroristas hasta la infección del virus del sida, pasando por la contaminación alimentaria, la violencia en las escuelas, la intoxicación radiactiva, la intimidación racista, el abuso de edad o de género, el envenenamiento del aire o del agua y el allanamiento de morada con ensañamiento brutal, se ciernen sobre la trémula carne tan gloriosa y miserablemente reavivada.

Justine Kurland

February 25, 2007

Art

So They All Get Naked and Play, Like Mom Did

By CAROL KINO

IT’S difficult when you have a kid,” the photographer Justine Kurland said. “If they’re in a good mood, you can get work done. But if they’re in a bad mood, you’re at their mercy.”

Ms. Kurland is known for photographing people in American wilderness landscapes, but the scene this day was the rent-stabilized apartment she shares with Casper, her 2-year-old son, on the Lower East Side of Manhattan.

Casper, named for the 19th-century German landscape painter Caspar David Friedrich, had just given a textbook example of one of his trickier moods. His father, the sculptor and multimedia artist Corey McCorkle, who lives 10 blocks away, arrived to take him out for breakfast, but he refused to budge. Instead he sat sobbing, rooted to the kitchen floor, a stunt Ms. Kurland said he increasingly liked to pull when she was scouting locations on the extended road trips she takes for her projects.

Casper’s influence can also be seen in her latest photographs. Ms. Kurland first became known for a series that depicted teenage girls running wild in nature. In her current show, at Mitchell-Innes & Nash in Chelsea, the landscape is populated by tribes of naked mature women — many of them pregnant or nursing, suggesting wandering fertility goddesses — who are playing with their children in paradisiac settings of forest, meadow and sea.

El lugar de la belleza

The Uncertainty Principle of Beauty

By GIDEON LEWIS-KRAUS
February 16, 2007

For the 20 centuries between Plato and Kant, the study of beauty was a signature concern of philosophy. Recently, however, beauty has largely been dropped from the philosophical curriculum. The story of how this has come to pass is inseparable from a broader story about how philosophy itself has become so hopelessly professionalized. Contemporary philosophers, preoccupied with their small quarrels, have abandoned the discussion of beauty to the likes of Elaine Scarry and Denis Donoghue and their colleagues in art and English departments. It should come as little surprise, then, that beauty has been smuggled back into philosophy by Alexander Nehamas, a professor of philosophy at Princeton, whose previous books have made wideranging inquiries into what he calls “the art of living.” Mr. Nehamas is among his generation’s few heirs to a philosophical tradition in America — which runs from Emerson and William James through Richard Rorty and Stanley Cavell — that believes it might have something useful to say to an educated public.
For Plato, beauty was inseparable from eros, or desire. Roughly with Kant, however, philosophers became increasingly “mistrustful of passion” for all the usual reasons: its baseness, unreliability, and emotional illogic. Kantian philosophy sought to eliminate passion from beauty, replacing it with a model of disinterested contemplation. Kant called this category “the aesthetic,” which Mr. Nehamas interprets as “pleasure bereft of desire.” Mr. Nehamas’s brief but reverberant new book, Only a Promise of Happiness ( Princeton, 186 pages, $29.95), proposes that we once again talk about beauty as “identical with the spark of desire.” A beautiful object is, quite simply, one that beckons us to it. In the phrase Mr. Nehamas has borrowed from Stendhal, beauty is a “promise of happiness,” a hint that a closer relationship with the beautiful object might enrich our lives. When we are captivated by beauty — in a person or an artwork — we find ourselves following wherever that beauty may lead, well aware that we might be forever changed by the encounter.

Marina Abramovic

Marina Abramovic. Larga vida al alma eslava
Balkan Erotic Epic
Galería La Fábrica. Alameda, 9. Madrid. Hasta el 24 de Febrero. De 40.000 a 70.000 euros

En junio de 2002, en una entrevista por escrito, intenté provocar, sin mucho éxito, todo hay que decirlo, a Marina Abramovic recordándole que ese mismo año había diseñado un juego de café para la firma italiana Illy –un trabajo que cuenta con las firmas de Schnabel, Kounellis, Bourgeois o Steinbach, entre otros artistas internacionales–, en el que las tazas estaban decoradas con la fotografía de una mujer jugando en una playa con una pelota de colores. Me sorprendió, supongo que como les ocurrió a los lectores entonces, su respuesta. “Para mí no ha sido diseñar. Beber café era un ritual importante en Yugoslavia. La cocina de mi abuela era el centro de mi mundo. Todos los viernes mirábamos los posos del café para adivinar el futuro. He creado dos grupos de tazas: uno feliz y otro denominado Spirit Cups (las tazas del espíritu). La taza del espíritu tiene un agujero, y al beber café siempre sale algo de café para los espíritus. Todo el que bebe café en este tipo de taza es un performer”.

Pudo añadir que la Spirit cup, una edición limitada de 750 ejemplares, contiene un recipiente dorado que según el anunciante es como el misterioso ojo de una cerradura, y que está “dedicada al espíritu de la artista contemporánea del arte corporal de mayor renombre”, pero no hacía falta. Lo que llamaba la atención era el hilo argumental con el que Abramovic iba tejiendo más que una visión una actitud ante la historia y los acontecimientos del que fue su país natal y a su lugar en ellos.

Ruth Bernhard

Frank Cordelle

What’s Wrong with This Picture?

By confronting society’s greatest taboos, Oakland photographer Frank Cordelle has created something truly extraordinary.

By Lauren Gard

Article Published Dec 6, 2006

It is close to midnight on a crisp Northern California evening, the kind that renders East Coast transplants nostalgic for the musty smell of dry leaves and the kick of hot apple cider. Beneath a full moon, not far from a lawn dotted with a half-dozen languid deer and a fat, skulking skunk, Frank Cordelle sits naked in a hot tub.

It isn’t his first time at Lupin Lodge, a naturist resort nestled in the redwoods of Los Gatos along Highway 17. The 63-year-old photographer exhibited his work here once before, seven years earlier, and stayed for a few days then. Cordelle wouldn’t call himself a nudist, but as someone who has spent the last twenty-some years focusing on naked girls and women through his camera viewfinder, it’s a state he’s become comfortable with. For the past month, a collection of his photos has been on display in the homey wooden lodge down the hill, and an hour ago he wrapped up a lecture with a small but dedicated crowd and signed a few copies of his new book.

Beso a beso

Del arte de besar y de sus emanaciones
El Galileo de Madrid presenta “Beso a Beso”, de Paloma Pedrero

Paloma Pedrero presenta hoy en Madrid Beso a beso, un mosaico de pequeñas piezas que cuentan con humor y erotismo cómo fue el primer beso de cinco mujeres de generaciones distintas. Dirigida por Elena Cánovas, está protagonizada por Jesús Blanco, Rocío Calvo, Ana Chávarri, Gemma Pascual, Carlos Pulido y Chema Rodríguez.

Una vez presencié una amarga disputa entre dos mujeres que se habían amado. Era sobre besos, que encubren siempre, o desvelan, otra realidad más allá del gesto y la saliva. Los besos, como se desprende de esta obra de Paloma Pedrero, Beso a Beso, pueden ser un rito iniciático a la sexualidad o la consumación tórrida y luminosa de la misma: anuncio, preparación o éxtasis. Decía una de aquellas mujeres que se habían amado, sombría metáfora del dolor: “hay besos que dejan llagas y agujeros en la piel”. Era la queja de una traición, de un beso maldito, el beso de Judas; besar sin amor o pensando en otra. No había otra posibilidad de juego, ni siquiera de frivolidad o encantamiento pasajero. Ignoro cómo concluyó la historia de aquellas mujeres que se habían amado; si su boca o su piel acabó en úlcera y socavón o si recuperaron el sentido jubiloso del beso. En cualquier caso, los besos que propone Paloma Pedrero en su última obra quieren “meternos mariposas en el cuerpo”; besos que elevan a categoría de gloriosa sexualidad la leve anécdota de un ferviente juego. Jóvenes intérpretess (Jesús Blanco, Rocío Calvo, Ana Chávarri, Gemma Pascual, Carlos Pulido y Chema Rodríguez) bajo el mando de una directora, Elena Cánovas, son los encargados de pastorear ese enjambre de mariposas que aceleran los pulsos de la vida y desencuadernan el cauce de la sangre.

¿Qué es la belleza?

Looking Good

Our obsession with physical appearance may not be so shallow, after all

By David Von Drehle
Sunday, November 12, 2006; W14

I spotted her across a crowded room , 15 or maybe 20 years ago. She stood as if frozen in grace and time, poised in a shaft of light that seemed calculated to flatter her lustrous skin and full, moist lips. She had a regal air and great serenity, even as people circled her and stared frankly, women as well as men. Her beauty stunned me like a mallet to the head.

I slowly made my way toward her. I felt a strong desire to reach out and touch her slender neck, just below the ear, but of course I didn’t. I hadn’t even learned her name. Also, she was sealed inside a clear display case. And she didn’t have an ear — or nose, eyes or hair for that matter. Just her neck and the lower half of her face.

The vision that struck me so powerfully that day was a fragment of a once-complete bust of an Egyptian queen, possibly Nefertiti. This masterpiece of highly polished jasper is more than 3,300 years old and resides in the permanent collection of the Metropolitan Museum of Art in New York. When I caught my first heart-stopping glimpse of her, she firmly settled in my mind the question of whether physical beauty is real or simply a creation of society and the media. Her lean neck, high cheekbones, smooth skin and bee-stung lips transcended the miles and millennia between her reign and that of Angelina Jolie or Tyra Banks.